Guia da visão de ação do diretor de *The Furious*: Kenji Tanigaki

Kenji Tanigaki é o diretor de Furious responsável por moldar a identidade excepcionalmente carregada de ação do filme. Em uma entrevista de 2026, ele descreveu o projeto como uma tentativa de criar um “filme de ação de artes marciais definitivo”, com uma estrutura construída em torno de sequências de ação maiores e repetidas, em vez de uma única luta de destaque.

O filme tem cerca de 112 minutos, enquanto a entrevista descreve aproximadamente 102 minutos de ação. Essa proporção explica por que The Furious parece mais uma campanha física contínua do que um drama de ação convencional. A história ainda oferece motivações para os personagens e alianças que se deslocam, mas a linguagem do filme retorna repetidamente ao movimento, ao impacto, à perseguição e ao combate corpo a corpo.

Destaques do vídeo:

• Kenji Tanigaki explica a ambição do filme de entregar múltiplas sequências de ação em grande escala.
• O elenco fala sobre preparação, confiança e sobre executar a própria coreografia difícil.
• A equipe de produção descreve uma filmagem de 60 dias e um bloco prolongado de ação na delegacia.
• A entrevista aborda a primeira grande luta entre Mishima e Navin.
• Tanigaki explica como uma montagem de quatro horas foi reduzida ao tempo final de exibição.

A abordagem de Tanigaki depende de clareza. Cada intérprete precisa entender não apenas uma sequência de golpes, arremessos ou esquivas, mas também o propósito dramático por trás do confronto. Uma luta precisa revelar caráter, mudar relações ou fazer a história avançar. Isso é especialmente importante no confronto inicial entre Mishima e Navin, em que o combate funciona como uma forma de comunicação antes de os personagens compreenderem plenamente que estão do mesmo lado.

O estilo de ação em The Furious é construído em torno de intérpretes com formações físicas distintas. Joe Taslim traz uma base de judô, Xie Miao contribui com experiência em artes marciais chinesas, e Brian Le tem uma abordagem autodidata fortemente influenciada pelo cinema de kung fu. Essas diferenças permitem que as lutas não pareçam trocas idênticas.

Um diretor que trabalha com esse tipo de elenco pode desenhar confrontos com base nos pontos fortes individuais. Arremessos, golpes de curta distância, movimentação evasiva, armas e ataques com o ambiente podem pertencer a um intérprete ou personagem específico. O resultado é uma linguagem de ação mais legível: o público consegue perceber quem está controlando a distância, quem depende de alavanca e quem improvisa por meio da velocidade ou da agressividade.

A primeira luta entre Mishima e Navin é um bom exemplo do método de Tanigaki. Os personagens estão buscando respostas e, de início, não percebem que estão trabalhando para o mesmo lado. O confronto, portanto, serve a dois propósitos: oferece uma grande sequência de ação e estabelece uma relação por meio do contato físico.

Os intérpretes descreveram a luta como um processo de aprender o ritmo um do outro. Praticantes de artes marciais frequentemente conseguem sentir a velocidade, a força e as intenções de um oponente pelos primeiros movimentos. Tanigaki usa essa ideia de forma dramática. A coreografia se torna uma conversa sem falas, permitindo ao público ver a construção de reconhecimento mútuo por meio de timing e reação.

A escala física de The Furious exigiu preparação extensa antes das filmagens principais. O elenco teria chegado a Bangkok para cerca de um a dois meses de preparação, seguidos por treinamento diário intensivo. A entrevista descreve práticas com duração de cerca de nove horas por dia, da manhã até a tarde.

Essa preparação não se limitou ao condicionamento físico geral. Os intérpretes aprenderam suas coreografias específicas e praticaram com a equipe japonesa de dublês. Essa distinção importa porque cenas de ação muitas vezes fracassam quando os intérpretes conhecem apenas movimentos isolados. O processo de Tanigaki exigia que o elenco entendesse trocas completas, transições, timing e relações espaciais.

O modelo de preparação do diretor também protege a continuidade visual da ação. Quando os atores conseguem executar seus próprios movimentos, a produção não precisa cortar constantemente entre o ator, um dublê e um plano de inserção separado. A entrevista relaciona diretamente a habilidade do elenco ao uso de tomadas mais longas e a menos dublês.

Isso não significa que todo intérprete precise executar cada movimento perigoso sem apoio. Em vez disso, mostra como um elenco com fortes habilidades físicas dá ao diretor mais opções. Tanigaki pode preservar a geografia, permitir que as reações aconteçam em tempo real e fazer o público sentir a fadiga acumulada de uma luta.

O cronograma de produção ajuda a explicar o ritmo implacável do filme. A filmagem durou 60 dias, com quase 18 dias dedicados ao cenário da delegacia. Esse único local se tornou um grande ambiente de ação, e não uma parada breve de passagem.

Um local concentrado pode beneficiar a filmagem de ação porque o diretor consegue desenvolver uma geografia conectada. Corredores, salas, escadas, pontos de entrada e obstáculos passam a fazer parte da coreografia. Em vez de tratar cada luta como um palco isolado, a produção pode fazer o ambiente parecer um espaço tático em transformação.

A entrevista menciona ação envolvendo martelos, motocicletas e outros elementos do ambiente. Esses detalhes sugerem uma filosofia de design baseada em ameaças variáveis e obstáculos improvisados. Uma luta pode passar de combate corpo a corpo para uma disputa por um objeto e, depois, para uma perseguição ou colisão com o cenário.

O ponto principal é a escalada sem perder a legibilidade. Um novo objeto deve alterar as táticas, não apenas aumentar o ruído. Uma motocicleta muda distância e impulso. Um martelo altera o perigo de uma troca de curta distância. Um corredor estreito da delegacia limita o movimento e obriga os personagens a tomar decisões rápidas.

A direção de Tanigaki é mais forte quando esses elementos funcionam juntos. O cenário dá aos intérpretes um caminho, os objetos de cena mudam o ritmo e a preparação do elenco torna o movimento crível. A ação resultante parece contínua porque cada escolha parece conectada ao que veio antes.

A primeira montagem de The Furious teria durado quatro horas. O corte final foi reduzido para aproximadamente 112 minutos, o que significa que o processo de edição removeu ou encurtou uma quantidade significativa de material.

Isso não quer dizer necessariamente que sequências inteiras de ação desapareceram. A entrevista indica que a equipe reduziu partes tanto de cenas dramáticas quanto de cenas de ação. Essa distinção é importante: editar um filme de ação não é apenas remover lutas. É também encontrar a versão mais eficiente de cada movimento, reação, transição e batida dramática.

Uma montagem de quatro horas pode conter várias versões da mesma batida, entradas prolongadas, reações repetidas ou transições alternativas. A tarefa do editor é proteger o ritmo mais forte. Em um filme de artes marciais, alguns frames podem determinar se um golpe parece preciso, se um arremesso é fácil de entender ou se um personagem parece exausto antes do próximo confronto.

O método de produção relatado por Tanigaki fornece ao editor material útil. Quando os intérpretes conseguem concluir a coreografia sem dificuldades, a filmagem pode preservar trechos visuais mais longos. O desafio passa a ser decidir quanto dessa continuidade o público realmente precisa. Manter cada movimento poderia desacelerar a história, enquanto cortar demais poderia reduzir o impacto do trabalho dos intérpretes.

O equilíbrio final parece pensado para fazer The Furious soar excepcionalmente concentrado. Seus trechos de história sustentam a ação, e a ação ocupa a identidade central do filme. Em vez de tratar o combate como pontuação ocasional, a edição o transforma no principal motor de impulso.

O trabalho de Kenji Tanigaki em The Furious se destaca porque o plano de ação do filme afeta todos os departamentos. A coreografia molda a performance, a performance molda o posicionamento de câmera, o posicionamento de câmera afeta a edição, e a edição determina como o público experimenta fadiga e escalada.

O diretor também se beneficia de um elenco construído em torno da confiança. O grupo descreveu ter criado laços dentro e fora da tela, e essa química foi levada para as performances. No cinema de ação, a confiança é visível. Um intérprete se compromete com um ataque porque o parceiro está preparado para recebê-lo. Um arremesso parece convincente porque ambos os atores entendem o timing. Uma troca longa permanece legível porque nenhum dos intérpretes quebra o ritmo compartilhado.

A ação do filme, portanto, não é apenas uma coleção de técnicas impressionantes. É um sistema de produção construído em torno de preparação, credibilidade física e intenção dramática.

Para os fãs que estudam o diretor de Furious, o aprendizado mais útil é o compromisso de Tanigaki com o alinhamento. Os intérpretes, a equipe de dublês, a câmera, o local e a edição servem ao mesmo objetivo: fazer a ação parecer imediata sem perder sua conexão com os personagens.

A reação da estreia descrita na entrevista também reflete essa ambição. O elenco falou sobre a energia de uma sessão lotada à meia-noite e sobre o significado emocional de apresentar o filme concluído a um público. Essa resposta importa porque esse estilo de cinema depende do esforço coletivo. O trabalho físico da preparação é, no fim, pensado para uma experiência teatral compartilhada.

Para ver mais, visite a entrevista da Collider com Kenji Tanigaki e o elenco, que discute o design de ação do filme, o treinamento, o cronograma de produção e o processo de edição.